Fabrizio Tavernelli

FABRIZIO TAVERNELLI -  Resa Incondizionata
Lo Scafandro / Audioglobe
Genere: Cantautore / Alternative
Supporto: cd / Digital – 2024

L’artista Fabrizio Tavernelli si è saputo ritagliare nel tempo un posto in luce nel cantautorato, grazie al modo di affrontare i temi sociali e a uno stile musicale decisamente personale, fra influenze Punk, psichedeliche e uno sguardo agli anni ‘80. Cantante, produttore, musicista, scrittore. Attivo negli anni ’80 con En Manque D’Autre e dal ’93 al 1999 con gli AFA, con i quali incide per Sugar di Caterina Caselli e Dischi del Mulo/Consorzio Produttori Indipendenti.
Sei gli album che ha rilasciato dal 2010 dimostrandosi attento analizzatore dei tempi. Con “Resa Incondizionata” le tematiche cambiano rispetto al passato, questa volta una nube di pessimismo tronca di netto la voglia di sperare, costruire, credere, lasciando una fievole speranza all’avvento di un popolo extraterrestre che possa intervenire sul genere umano, un poco come cantava Eugenio Finardi nella famosa “Extraterrestre”.
Spendo immediatamente due parole per l’artwork a cura di Marco Marastoni (Gruppo Saldatori SRL), davvero intrigante con delle belle immagini che accompagnano i testi facendo immergere l’ascoltatore a pieno titolo nei racconti. Ho sempre apprezzato e sottolineato coloro che hanno capito l’importanza di associare indelebilmente immagini/musica e Tavernelli sposa in pieno questa nobile causa.
Ecco alcuni estratti del pensiero dell’autore: “Dichiaro la mia Resa Incondizionata alle opposte fazioni, alle opposte tifoserie.
Dichiaro la mia Resa Incondizionata al gigantismo e ai grandi eventi.
Dichiaro la mia Resa Incondizionata al guittismo di corte.
Dichiaro la mia Resa Incondizionata alle intelligenze Artificiali/Artificiose, ho nostalgia delle leggi della robotica.
Dichiaro la mia Resa Incondizionata all'isteria, allo stato di emergenza perenne.
Dichiaro la mia Resa Incondizionata alla Psicopolizia, alle armi, alle guerre tra i poveri del pianeta, alle guerre per procura, alle sceneggiature di guerra, ai set cinematografici/bellici, al giornalismo embedded, alle guerre perse in partenza, a chi si pulisce il sedere con la mia bandiera bianca.
Mi arrendo a tutte le propagande. Viva gli alieni, la fauna allogena, l'esobiologia, la zombitudine.”.
La riuscita dell’album è avvenuta grazie al crowdfunding, e tutti coloro che hanno partecipato sono menzionati all’interno dell’edizione cartonata del disco.
Con “Gigantismo” l’autore inizia il percorso sonoro, e che non sia musica scontata si apprende immediatamente sin dai primi passaggi che lasciano spazio a differenti innesti acidi, duri, psichedelici tendenti a un dotto Punk moderno. Con lui suonano Marco Santarello (chitarra, cori), Alessandro De Nito (minimoog), Marco Tirelli (basso) e Lorenzo Lusvardi (batteria) che è anche colui che segue le registrazioni effettuate al Teatro Asioli Di Correggio. “Pomodori” vede Giorgio Canali alla voce e armonica, qui le atmosfere diventano ancor più grevi e pessimistiche, un senso di alienazione accoglie lo stato d’animo. Solo il ritornello riesce a stemperare il tutto. Tavernelli canta e recita i testi con veemenza, un evidenziatore per le parole scritte.
“Ci Sta” stempera l’ambiente con piano e voce, una ballata profonda, dove la musica scalda il cuore come certe ballate dei Blackfield. Il movimento è impreziosito dalla viola di Maria Stefancu.
Un'altra carta vincente è la cura per gli arrangiamenti, cosa che purtroppo oggi troppo spesso viene a mancare. Intrigante la ritmica di “Neuroni Specchio” con sprazzi Funk in una sorta di Daniele Silvestri corrucciato in cui viene preso in analisi il carattere forgiato dagli eventi di Tavernelli.
Segue “Il Gioco Non Vale La Candela”, dolorosa considerazione sulla vita in una punta di ottimismo riversata dentro una musica gradevole, e un bell’intervento strumentale nella parte centrale.
“Immolarsi E’ Immorale” ha una cura dei particolari che la rende una ballata profonda. Il brano più lungo dell’album con i sette minuti abbondanti s’intitola “Afa 2023”, l’uso della voce è ancora una volta miscelata fra canto e recita. La chitarra è dura e dialoga con la voce. All’opposto è la breve danzereccia e ironica “Atetigira”. “Pangasio” fa il verso ai Negroamaro, ma è solo un’apparenza, perché il seguito è incastonato nel mondo personale di Tavernelli. Con “Metti Il Mulo” non ci si discosta molto da quanto genericamente descritto, e la chiusura spetta alla strumentale “In Definitiva” con Manitù Rossi al clarino, un pezzo dagli sprazzi psichedelici.
“Resa Incondizionata” è un album lucido, maturo, ironico, ficcante, diretto e senza filtro, come dovrebbe essere un lavoro di un cantautore che di certo non segue la massa e che si vuole sentire libero, come in teoria dovremmo esserlo tutti… Ma lo siamo? MS

Versione Inglese:

FABRIZIO TAVERNELLI – Resa Incondizionata
Lo Scafandro / Audioglobe
Genre: Songwriter / Alternative
Support: cd / Digital - 2024

Artist Fabrizio Tavernelli has been able to carve out a place for himself in the singer-songwriter spotlight over time, thanks to his way of dealing with social issues and a decidedly personal musical style, amid Punk, psychedelic influences and a glimpse of the 1980s. Singer, producer, musician, writer. Active in the 1980s with En Manque D'Autre and from '93 to 1999 with AFA, with whom he recorded for Caterina Caselli's Sugar and Dischi del Mulo/Consorzio Produttori Indipendenti.
Six albums he has released since 2010 proving to be a careful analyzer of the times. With "Resa Incondizionata" the themes change from the past, this time a cloud of pessimism sharply truncates the desire to hope, to build, to believe, leaving a faint hope for the advent of an extraterrestrial people who can intervene on the human race, a little like Eugenio Finardi sang in the famous "Extraterrestre”.
I immediately spend two words for the artwork by Marco Marastoni (Gruppo Saldatori SRL), really intriguing with beautiful images that accompany the lyrics making the listener fully immerse in the stories. I have always appreciated and emphasized those who understood the importance of indelibly associating images/music, and Tavernelli fully espouses this noble cause.
Here are excerpts of the author's thoughts, "I declare my Unconditional Resentment to the opposing factions, to the opposing fans.
I declare my Unconditional Surrender to gigantism and big events.
I declare my Unconditional Resignation to court guittism.
I declare my Unconditional Resignation to Artificial/Artificial intelligences, I long for the laws of robotics.
I declare my Unconditional Resignation to hysteria, to the perpetual state of emergency.
I declare my Unconditional Surrender to Psychopolitics, to weapons, to wars among the poor of the planet, to proxy wars, to war scripts, to film/war sets, to embedded journalism, to wars lost at the start, to those who wipe their butts with my white flag.
I surrender to all propaganda. Long live aliens, allogenic fauna, exobiology, zombification."
The success of the album came about through crowdfunding, and all those who participated are mentioned inside the hardback edition of the record.
With "Gigantismo" the author begins the sonic journey, and that it is not obvious music one learns immediately from the first passages that leave room for different acid, hard, psychedelic grafts tending to a modern Punk duct. Playing with him are Marco Santarello (guitar, backing vocals), Alessandro De Nito (minimoog), Marco Tirelli (bass) and Lorenzo Lusvardi (drums), who is also the one who follows the recordings made at Teatro Asioli Di Correggio. "Pomodori" features Giorgio Canali on vocals and harmonica; here the atmospheres become even more grim and pessimistic, a sense of alienation greets the mood. Only the refrain manages to dilute it. Tavernelli sings and recites the lyrics vehemently, a highlighter for the written words.
"Ci Sta" dilutes the mood with piano and vocals, a deep ballad where the music warms the heart like certain Blackfield ballads. The movement is enhanced by Maria Stefancu (viola).
Another trump card is the care taken with the arrangements, something that is unfortunately too often lacking today. Intriguing is the rhythmic "Neuroni Specchio" with flashes of Funk in a sort of rangy Daniele Silvestri in which the character forged by Tavernelli's events is examined.
"Il Gioco Non Vale la Candela" follows, a painful consideration of life with a hint of optimism poured inside pleasant music, and a nice instrumental intervention in the middle section.
"Immolarsi E’ Immorale" has an attention to detail that makes it a deep ballad. The longest track on the album with the full seven minutes is titled "Afa 2023," the use of vocals is again mixed between singing and acting. The guitar is harsh and dialogues with the voice. At the opposite end of the spectrum is the short, ironic dancey "Atetigira". "Pangasio" harkens back to Negroamaro, but it is only an appearance, because the sequel is embedded in Tavernelli's personal world. With "Metti Il Mulo", there is not much of a departure from what is generically described, and closure falls to the instrumental "In Definitiva" with Manitù Rossi on clarinet, a piece with psychedelic flashes.
"Resa Incondizionata" is a lucid, mature, ironic, prickly, direct and unfiltered album, as should be the work of a singer-songwriter who certainly does not follow the masses and who wants to feel free, as in theory we all should be... But we are? MS

 

Prowlers

PROWLERS – Orchidea
Ma.Ra.Cash Records
Genere: Progressive Rock
Supporto: Digital / cd / lp - 2024

Fra le band più importanti della nuova scena Progressiva italiana vanno annoverati i Prowlers del tastierista Alfio Costa.
Ne è passata d’acqua sotto i ponti dall’esordio “Morgana” del 1994, e con sei album in studio e un live, oggi i bergamaschi ritornano con “Orchidea” dopo numerose vicissitudini e defezioni. L’esperienza annosa che vede iniziare nel 1985, porta la band a realizzare nel tempo un crescendo qualitativo enorme, conquistando il pubblico e la critica disco dopo disco.  Nel 1998 subiscono un temporaneo stop per poi riformarsi nel 2010.
Le prime idee su “Orchidea” sono abbozzate nel 2018, ma sappiamo bene cosa è poi accaduto, fra pandemie, guerre (purtroppo ancora in atto) e quant’altro. Come se non bastasse, i Prowlers subiscono la prematura dipartita di Marco Premoli, bassista dal 1992 al 1995, oltre che l’abbandono di Stefano Piazzi, storico chitarrista e compositore di buona parte della musica contenuta in quest’album. Il musicista è sostituito da Fulvio Rizzoli, strumentista dal tocco maggiormente Rock.
Quindi oggi la formazione vede Laura Mombrini alla voce, cori e controcanti, Cristina Lucchini voce, cori e controcanti, Bobo Aiolfi al basso elettrico, Alfio Costa all’organo Hammond, pianoforte, piano Fender Rhodes, Minimoog, Mellotron, Roli seaboard, seconda voce in “Non Sei Mai Andato Via”, Marco Freddi alla batteria e percussioni, e Fulvio Rizzoli alle chitarre.
Ci sono anche special guest, che rispondono ai nomi di Vincenzo Zitello (flauto, violoncello), Alda Bano (chitarra classica), Agnis (voce), e Anna Cavalli (voce e cori).
Con “Orchidea” la band non si lega a un vero e proprio concept, bensì spazia in argomentazioni varie fra storie di donne, magia, natura, vita e morte, oltre ad una simpatica dedica all’allunaggio del 1969. Non può mancare neppure un ricordo di Premoli con il brano “Non Sei Mai Andato Via”.
I brani contenuti nel disco sono sette, mentre la versione cd vede aggiunta la bonus track “Clorofilla” in versione elettrica.
L’album si apre proprio con la title track, e voci femminili circondano immediatamente la mente come in un psichedelico viaggio onirico. Sono le tastiere a farsi avanti per prime, apportando sensazioni eteree conducenti a “Universi Paralleli”, pezzo presente soltanto nelle versioni digitale e cd. Il movimento è ruggente, grazie alle chitarre elettriche ma anche al suono graffiante dell’Hammond di sfondo. Piacevole il cambio umorale contenuto all’interno di stampo Prog classico in modalità Orme e piccole puntate nel mondo dei Pink Floyd.
“Clorofilla” è piano e violoncello, una ballata con la bella voce di Cristina Lucchini. in cattedra. Da solo il brano vale il prezzo del disco. Alfio Costa è in possesso di ottima tecnica strumentale questa fuoriesce in tutte le composizioni, così tanti sembrano essere i suoi punti di riferimento stilistico, in realtà il tocco gode di buona personalità, ascoltate il brano “Il Bao D3lla Luna” e noterete cambi improvvisi a conferma di quanto detto. In “Bocche D’Ambra” gli anni ’70 sono fermamente presenti, godibili soprattutto nel frangente centrale del pezzo, dove la chitarra elettrica si lancia in un assolo in stile Pink Floyd, ampio e arioso. Il pezzo forte dell’intero album è racchiuso nei venti minuti di “Ultimo Viaggio”, un pirotecnico cammino fra melodie godibili e buoni strumentali.
Estremamente toccante “Non Sei Mai Andato Via”, altra piccola gemma di quest’album privo di momenti di stanca.
La musica dei Prowlers è bene rappresentata dalle loro copertine, generalmente fatte con disegni a tratti pastello, fra delicatezza e fermezza. Tanta storia all’interno ma anche freschezza, soprattutto ispirata dalla voce di Cristina Lucchini e composizioni che risultano piacevoli in armonie. Dategli un ascolto e scoprirete un nuovo mondo colorato, fra passato e presente.  MS 

Versione Inglese:

PROWLERS - Orchidea
Ma.Ra.Cash Records
Genre: Progressive Rock
Support: Digital / cd / lp - 2024

Among the most important bands of the new Italian Progressive scene must be counted keyboardist Alfio Costa's Prowlers.
A lot of water has passed under the bridge since their 1994 debut "Morgana", and with six studio albums and a live show, today the Bergamasque band returns with "Orchidea" after numerous vicissitudes and defections. The long-standing experience, which sees them begin in 1985, leads the band to achieve a huge qualitative crescendo over time, winning over audiences and critics disc after disc.  In 1998 they suffered a temporary stop and then reformed in 2010.
The first ideas on "Orchidea" are sketched out in 2018, but we know what happened next, between pandemics, wars (unfortunately still going on) and whatnot. As if that were not enough, the Prowlers suffer the untimely departure of Marco Premoli, bassist from 1992 to 1995, as well as the departure of Stefano Piazzi, historical guitarist and composer of much of the music on this album. The musician is replaced by Fulvio Rizzoli, an instrumentalist with a more Rock touch.
So today's lineup features Laura Mombrini on vocals, backing vocals and backing vocals, Cristina Lucchini on vocals, backing vocals and backing vocals, Bobo Aiolfi on electric bass, Alfio Costa on Hammond organ, piano, Fender Rhodes piano, Minimoog, Mellotron, Roli seaboard, second vocals in "Non Sei Mai Andato Via," Marco Freddi on drums and percussion, and Fulvio Rizzoli on guitars.
There are also special guests, who answer to the names of Vincenzo Zitello (flute, cello), Alda Bano (classical guitar), Agnis (vocals), and Anna Cavalli (vocals and backing vocals).
With "Orchidea", the band does not bind itself to a real concept, but ranges in various arguments between stories of women, magic, nature, life and death, as well as a nice dedication to the 1969 moon landing. A remembrance of Premoli cannot be missed either with the track "Non Sei Mai Andato Via".
There are seven tracks on the album, while the CD version sees the addition of the bonus track "Clorofilla" in an electric version.
The album opens right with the title track, and female vocals immediately surround the mind as if on a psychedelic dream journey. It is the keyboards that come forward first, bringing ethereal sensations leading to "Universi Paralleli," a piece present only in the digital and CD versions. The movement is roaring, thanks to the electric guitars but also to the scratchy sound of the Hammond in the background. Pleasant is the mood change contained within in the mold of classic Prog in the mode of Orme and small stakes in the world of Pink Floyd.
"Clorofilla" is piano and cello, a ballad with Cristina Lucchini' beautiful voice in the cathedra. The track alone is worth the price of the disc. Alfio Costa is in possession of excellent instrumental technique this comes out in all the compositions, so many seem to be his stylistic reference points, in fact the touch enjoys good personality, listen to the track "Il Ballo D3lla Luna" and you will notice sudden changes confirming what has been said.
In "Bocche D’Ambra”, the 1970s are firmly present, enjoyable especially in the central fringe of the piece, where the electric guitar launches into a Pink Floyd-style solo, broad and airy. The highlight of the entire album is encapsulated in the twenty-minute "Ultimo Viaggio", a pyrotechnic walk between enjoyable melodies and good instrumentals.
Extremely touching is "Non Sei Mai Andato Via”, another little gem on this album devoid of tired moments.
The Prowlers' music is well represented by their covers, generally done with pastel drawings, between delicacy and firmness. Lots of history inside but also freshness, especially inspired by Cristina Lucchini's voice and compositions that are pleasing in harmonies. Give it a listen and you will discover a colorful new world between past and present.  MS

Cubo Di Rubik

CUBO DI RUBIK - U.P
TSCK Records / Produzioni Dal Basso
Genere: Post Prog Moderno
Supporto: cd / Digital – 2024

Quante volte abbiamo rivolto lo sguardo al cielo e abbiamo pensato di non essere soli. Questa vastità riesce a incuterci timore e spesso a farci sentire piccoli oltre che inutili. L’uomo ha subito nei millenni il fascino del creato, spesso affibbiandogli un significato spirituale, perché dove la mente non concepisce, subentra sempre qualcosa di soprannaturale. L’argomento è spesso trattato in composizioni musicali, specie nel Rock e anche in quello Progressivo, basti pensare alle Orme di “Felona E Sorona”, oppure ai dischi dell’Olandese Lucassen con il progetto Ayreon, Star One e Ambeon, agli Yes, e poi viaggi lisergici veri e propri attraverso band come Pink Floyd o Hawkwind e molti altri ancora. Generalmente sono composti concept album veri e propri, come nel caso dell’esordio della band di Parma Cubo Di Rubik. Grazie ad una campagna di Crowdfunding, il progetto vede prendere forma lentamente nel tempo, sino giungere al risultato di “U.P.”.
I Cubo Di Rubik sono formati da Nicola Denti alla chitarra, Salvatore Bazzarelli alle tastiere, Leonardo Cavalca alla batteria e Marilena Montarone al basso, tutti musicisti preparati che vantano collaborazioni con artisti del calibro di Cristiano De Andrè, Maurizio Solieri, Eugenio Finardi, Mogol, Custodie Cautelari, Aida Cooper, Federico Poggipollini, Eric Burdon.
Così si legge dai dati biografici tratti da Gruppi Emergenti: “La compagnia di giochi CDR Corporation sta testando il gioco MultiverX che permette di fare viaggiare le persone attraverso universi paralleli. Ernő è un uomo ricco, rimasto solo, annoiato e rassegnato; ha perso ogni tipo d’interesse verso la vita e decide di fare da cavia per MultiverX. Attraverso la macchina XC820 viene aperto un cunicolo spazio temporale e il suo corpo viene trasportato in un’altra dimensione.
Qualcosa però va storto: la compagnia perde subito i contatti con Ernő ed egli rimane intrappolato in un mondo parallelo, dove regna desolazione e distruzione.
Ernő così parte alla scoperta della terra ignota in cui è stato catapultato, così diversa da quello che gli era stato promesso di trovare. Ritrova nel nuovo mondo ancora la fabbrica della CDR Corporation e riutilizza la macchina XC820 per viaggiare in un altro universo. Da qui comincia la sua avventura per tentare di tornare da dove è partito, ritrovandosi però ogni volta in un universo parallelo differente. Un viaggio estenuante che durerà molti anni, fino al momento in cui Ernő si risveglierà nel suo letto, nella sua casa, nella sua terra. Tutto come prima, nemmeno il tempo sembrerà essere passato… realtà o illusione?".
“U.P.” è composto di otto capitoli ed è accompagnato da un libretto in cui ci sono anche le foto a cura di Silvia Saponaro, mentre il disegno in copertina è di Lalas Milla.
Trattandosi di argomento spaziale, il suono (ben registrato agli Studio Tartini5 di Parma da Fausto Tinello), non disdegna l’elettronica, anche se di base è il Rock a prevalere, grazie a buoni assolo di chitarra e una ritmica ben oliata. Nell’iniziale “MultiverX” le influenze vanno dai Porcupine Tree ai Transatlantic, uno strumentale sia tecnico che proporzionato a un andamento orecchiabile. Nella breve e tastieristica “XC820”, il protagonista si sente viaggiatore solitario in un mondo dimenticato ricoperto di cristalli, ed è con “Sic Mundus Creatus Est” che le atmosfere cominciano a essere più elettriche. Gli strumenti occupano il posto delle parole e ben descrivono le scene che appaiono avanti ai nostri occhi dettate dalla fantasia durante l’ascolto.
Tutto l’album strumentale è ricco di cambi di tempo e passaggi solo a tratti articolati e prosegue con qualità senza momenti di stanca. Di certo è un disco che potrà interessare anche agli amanti del Prog Metal e dei suddetti Porcupine Tree periodo “Deadwing”. Complimenti alla band, una bella sorpresa che va a impreziosire ulteriormente il panorama Progressivo italiano.  MS

Versione Inglese: 

CUBO DI RUBIK - U.P.
TSCK Records / Productions From Below
Genre: Modern Post Prog
Support: cd / Digital - 2024

How many times have we looked up at the sky and thought that we are not alone. This vastness manages to instill fear in us and often make us feel small as well as useless. Man has been fascinated by creation over the millennia, often attaching spiritual significance to it, because where the mind does not conceive, something supernatural always takes over. The subject is often dealt with in musical compositions, especially in Rock and even in Progressive Rock, just think of Orme's "Felona E Sorona", or the records of Dutchman Lucassen with the Ayreon project, Star One and Ambeon, to Yes, and then real lysergic journeys through bands such as Pink Floyd or Hawkwind and many others. Generally true concept albums are composed, as in the case of the Parma band's debut Cubo Di Rubik. Thanks to a Crowdfunding campaign, the project sees slowly take shape over time, until the result of "U.P." is achieved.
The Cubo Di Rubik is made up of Nicola Denti on guitar, Salvatore Bazzarelli on keyboards, Leonardo Cavalca on drums and Marilena Montarone on bass, all trained musicians who boast collaborations with the likes of Cristiano De Andrè, Maurizio Solieri, Eugenio Finardi, Mogol, Custodie Cautelari, Aida Cooper, Federico Poggipollini, and Eric Burdon.
Thus we read from biographical data taken from Emerging Groups, "The game company CDR Corporation is testing the MultiverX game that allows people to travel through parallel universes. Ernő is a rich man, left alone, bored and resigned; he has lost all interest in life and decides to be a guinea pig for MultiverX. Through the XC820 machine a space-time wormhole is opened and his body is transported to another dimension.
Something goes wrong, however: the company soon loses contact with Ernő and he becomes trapped in a parallel world where desolation and destruction reign.
Ernő thus sets out to discover the unknown land to which he has been catapulted, so different from what he was promised to find. He finds in the new world still the factory of the CDR Corporation and reuses the XC820 machine to travel to another universe. From here he begins his adventure to try to return to where he started, but finding himself in a different parallel universe each time. A grueling journey that will last many years, until the moment when Ernő awakens in his bed, in his home, in his land. Everything as before, not even time will seem to have passed--reality or illusion?"
"U.P." consists of eight chapters and is accompanied by a booklet in which there are also photos edited by Silvia Saponaro, while the drawing on the cover is by Lalas Milla.
Since this is a spatial subject, the sound (well recorded at Studio Tartini5 in Parma by Fausto Tinello), does not disdain electronics, although basically it is Rock that prevails, thanks to good guitar solos and well-oiled rhythm.
In the opening "MultiverX," influences range from Porcupine Tree to Transatlantic, an instrumental both technical and commensurate with a catchy progression. In the short, keyboard-driven "XC820", the protagonist feels like a lonely traveler in a forgotten world covered in crystals, and it is with "Sic Mundus Creatus Est" that the atmospheres begin to be more electric. The instruments take the place of words and well describe the scenes that appear before our eyes dictated by imagination while listening.
The entire instrumental album is full of tempo changes and passages that are only occasionally articulate and continues with quality without any tired moments. It is certainly an album that will also appeal to lovers of Prog Metal and the aforementioned Porcupine Tree "Deadwing" period. Congratulations to the band, a nice surprise that goes to further embellish the Italian Progressive scene.  MS

Daal

DAAL – Daedalus
Ma.Ra.Cash.
Genere: Rock Progressive / Psichedelia
Supporto: digital / cd – 2022

Nella scena moderna del Rock Progressivo Italiano ci sono già nomi radicati che fanno capire come il tempo scorra così in fretta. I nuovi classici, o come li vogliamo chiamare. Sembra passato poco tempo da quando nel 1978 si diceva che il Prog sarebbe morto. Sappiamo poi com’è andata a finire, nuove leve hanno saputo tenere alta la bandiera, ad esempio uno dei nomi più interessanti e professionali post anno ‘2000 è sempre stato quello dei Daal.
Si fondano a Bergamo nel 2008 da un’idea di due grandi artisti nel campo, Davide Guidoni (batteria con Taproban, The Far Side, Gallant Farm, Nuova Era, Ozone Player e altri), e Alfio Costa (tastiere con (Tilion, Prowlers, Colossus Project, Dark Session). Le iniziali dei loro nomi vanno a comporre quello del progetto: Daal.
Li ho sempre seguiti sin dagli esordi discografici che iniziano nel 2009 grazie all’album “Disorganicorigami”, da subito il duo non ha mai espresso nella propria musica un servile copiaticcio nei confronti dei tempi che furono, tutt’altro hanno mostrato una grandissima personalità, così hanno sempre saputo comporre colonne sonore per la mente, fra viaggi psichedelici e meno. Parola d’ordine è sperimentare, anno dopo anno si evolvono pur mantenendo uno stile ben preciso, spiazzando a volte i propri fans i quali però sanno bene che artisti come loro hanno bisogno di mutare spesso la pelle per rimanere sempre splendenti.
Dopo sei album in studio, diversi live, raccolte ed EP, nel 2022 ritornano con “Daedalus”, accompagnati da due altri grandi nomi del settore, Ettore Salati alla chitarra e Bobo Aiofi al basso. Il suono è pieno, avvolgente e ben registrato nelle sei composizioni dell’album, questo fa piacere perché malgrado ci troviamo oggi al massimo della tecnologia, questa non sempre viene adoperata al meglio. Come tradizione Daal, l’artwork che accompagna il disco è curato e descrittivo della musica contenuta all’interno, le immagini create dallo stesso Davide Guidoni rendono giustizia all’intero reparto. Di certo la banalità non risiede in questo combo il quale si diverte a ricercare fra le note a partire da “Journey Trought The Spiral Mind part.1”, suite di quattordici minuti e brano più lungo dell’album. L’apertura psichedelica è d’effetto, fra suoni e rumori nell’oscurità ci rapisce, per poi lasciare spazio alla chitarra e alle tastiere. Sembra una colonna sonora dei Goblin, ma ancora è solamente l’intro. La musica proposta veste il nostro stato d’animo fino a farlo concentrare sui suoni che a mano a mano diventano vera e propria ipnosi. Alcuni di voi potrebbero trovare alcune analogie con il modus operandi di “Metanoia” dei Porcupine Tree, questo lo dico per far capire al meglio in che territorio aleggia più o meno questa musica. Nel finale sono chiamati in causa i Pink Floyd degli anni ’70, ma loro sono i Daal e riescono con maestria a fare proprio tutto il pacchetto. Sale l’intensità nel successivo “Icarus Dream”, pezzo Prog preso anche come singolo dell’album. Il Prog è sinfonia? E’ cambio d’umore? E’ lanciarsi in assolo importanti? Bene, qui questi ingredienti sono contenuti nei sette minuti e mezzo della durata. Raffinato e allo stesso tempo robusto è “Labyrinth 66”, altra composizione articolata da ascoltare con estrema attenzione. Il momento più breve del disco s’intitola “In My Time Of Shadow” ed è anche il più dolce, dove addirittura un mellotron viene a coccolarci l’anima. La melodia si stampa nella mente e rimanda a ricordi lontani, quando la musica aveva una valenza molto più importante che nei giorni d’oggi. Per chi vi scrive questo brano è strepitoso. La conclusione viene affidata come nei fuochi d’artificio allo sfoggio di tutto l’armamentario, ecco che dunque “Journey Trought The Spiral Mind Part.2” stupisce per ampiezza di sonorità e suggestioni. In conclusione “Daedalus” è un disco eccellente, un palmo sopra la banalità. Fra i miei dischi preferiti dell’anno 2022. MS

Versione Inglese:

DAAL - Daedalus
Ma.Ra.Cash.
Genre: Progressive Rock / Psychedelia
Support: digital / cd - 2022
 
In the modern Italian Progressive Rock scene, there are already entrenched names that make you realize how time goes by so fast. The new classics, or whatever we want to call them. It seems little time has passed since 1978 when it was said that Prog would die. We then know how it turned out, new recruits have been able to hold the flag high, for example one of the most interesting and professional post-2000 names has always been Daal.
They were founded in Bergamo in 2008 by an idea of two great artists in the field, Davide Guidoni (drums with Taproban, The Far Side, Gallant Farm, Nuova Era, Ozone Player and others), and Alfio Costa (keyboards with (Tilion, Prowlers, Colossus Project, Dark Session). The initials of their names go to make up that of the project: Daal.
I have always followed them since their discographic beginnings beginning in 2009 thanks to the album "Disorganicorigami", from the beginning the duo has never expressed in their music a slavish copying towards the times that were, far from it they have shown a great personality, so they have always known how to compose soundtracks for the mind, between psychedelic journeys and less. The watchword is to experiment, year after year they evolve while maintaining a distinct style, sometimes displacing their fans who, however, know well that artists like them need to change their skin often in order to remain always resplendent.
After six studio albums, several live shows, collections and EPs, they return in 2022 with "Daedalus", accompanied by two other big names in the industry, Ettore Salati on guitar and Bobo Aiofi on bass. The sound is full, enveloping and well-recorded in the album's six compositions, which is pleasing because despite the fact that we are at the cutting edge of technology today, it is not always put to good use. In keeping with Daal tradition, the artwork accompanying the album is neat and descriptive of the music contained within, the images created by Davide Guidoni himself doing justice to the whole department. Certainly banality does not reside in this combo, which enjoys searching through the notes starting with "Journey Trought The Spiral Mind part.1", a fourteen-minute suite and the longest track on the album. The psychedelic opening is impressive, amidst sounds and noises in the darkness it enraptures us, then gives way to guitar and keyboards. It sounds like a Goblin soundtrack, but still it is only the intro. The proposed music clothes our state of mind until it focuses on the sounds that gradually become true hypnosis. Some of you may find some similarities with the modus operandi of Porcupine Tree's "Metanoia", this I say to give the best understanding of what territory this music more or less hovers in. In the finale, 1970s Pink Floyd is called upon, but they are Daal and they masterfully pull off the whole package.
The intensity goes up in the next "Icarus Dream", a Prog piece also taken as the album's single. Is Prog a symphony? Is it changing moods? Is it launching into important solos? Well, here these ingredients are contained in the seven and a half minute duration. Refined and at the same time robust is "Labyrinth 66", another articulate composition to be listened to very carefully. The shortest moment of the record is titled "In My Time Of Shadow" and it is also the sweetest, where even a mellotron comes to cuddle our soul. The melody prints itself in the mind and harkens back to distant memories, when music had much more significance than in today's days. For the writer, this track is resounding. The conclusion is entrusted as in fireworks to the display of all the paraphernalia, so here is "Journey Trought The Spiral Mind Part.2" astonishing in its breadth of sonority and suggestion. In conclusion, "Daedalus" is an excellent record, a palm above banality. Among my favorite records of the year 2022. MS

The New Grove Project

THE NEW GROVE PROJECT - Assorted Affections
New Grove Music / Record Heaven
Genere: Progressive Rock / Folk
Supporto: cd / Digital – 2024

Il Progressive Rock svedese ha vissuto una scena rigogliosa negli anni ’70, con band interessanti come Kaipa, Trettioariga Kriget, Radiomobel, per fare tre nomi, ma ha vissuto il periodo maggiormente influente nei ’90 con il successo di artisti come The Flower Kings, Anglagard, Anekdoten, Landberk e altri ancora che hanno dato nuova linfa e stimolo al genere attraverso influenze Genesis e King Crimson.
Mi ricordo con piacere che fui colpito nel 1997 dall’uscita di un disco a nome di una band che non conoscevo, i The New Grove Project e il lavoro in questione portava il titolo “Fool's Journey”. Ignorando il tutto, acquistai ugualmente il disco visto che della scena svedese qualitativamente tutto era affidabile, e con sorpresa notai fra gli strumentisti il nome di Roine Stolt (The Flower Kings, Kaipa, Transatlantic). Vedendo la fotografia interna, notai un giovanissimo Roine, la cosa m’incuriosì particolarmente tanto da farmi documentare a ritroso. Il periodo è quello degli anni ’70, il disco esce in origine in 300 copie stampate e il creatore del progetto porta il nome del batterista Ingemar Hjertqvist. “Fool's Journey” pur essendo un disco interessante, infarcito di sonorità Genesis e King Crimson, non ebbe un grande successo commerciale, tuttavia in seguito, negli anni ’90, la volontà di perseguire il cammino li conduce in Svizzera con musicisti della zona di Bienne-Friburgo. Fanno parte anche nomi importanti come quello del tastierista Pär Lindh e nel 2005 è la volta di “Brill”, altro disco interessante ma a sua volta non di grande successo. Il progetto vede un lungo stop per poi farsi nuovamente vivo dopo venti anni e questa volta senza i grandi nomi succitati. Ingemar Hjertqvist (batteria, voce) si coadiuva di artisti come André Schornoz (basso), Lennart Olsson (batteria), Tim Carlstedt (chitarra), Mats Sjögren (chitarra), Rikard Mathisson (tastiere), Robert Webb (tastiere), e Hanna Mattsson (voce).
Qualcosa cambia nello stile, non è più il Prog pregno di sonorità pomose, ma strizza l’occhio al Folk e alle composizioni più brevi e dirette. Oggi i The New Grove Project badano più alla sostanza componendo musiche vicine alla formula canzone pur mantenendo quell’affascinante velo di vintage, una volta ricordando i Pink Floyd (“Where Would You Be”), altre il classico Folk e Blues (“Mental Disillusion Game” e “Happy Land”).
L’influenza dei Moody Blues per Hjertqvist si palesa di tanto in tanto nelle composizioni, come nel caso di “The Ocean Is My Home”, il primo amore non si scorda mai. Bella la voce di Hanna, si può apprezzare soprattutto nella lenta “At The Ocean”. Il disco in senso generale è pregno di anni ‘60/’70, palese in “Far With My Car”, soprattutto nei dieci minuti conclusivi di “Circle Point” dove i Genesis di Peter Gabriel fuoriescono allo scoperto in maniera sfacciata nelle fasi strumentali.
In definitiva “Assorted Affections” è un disco dal quale non ci si deve attendere genialità o ricerche nel campo, è semplicemente un contenitore di canzoni dalle belle melodie e suonato con ottima tecnica strumentale. La volontà di tenere alta la bandiera degli anni che furono è tanta, la memoria giustamente va mantenuta, forse i più legati di voi al Prog classico troveranno l’album insipido, chi invece ascolta la musica senza paletti restrittivi di sorta, troverà in “Assorted Affections” più di un momento di soddisfazione. MS

Versione Inglese: 

THE NEW GROVE PROJECT - Assorted Affections
New Grove Music / Record Heaven
Genre: Progressive Rock / Folk
Support: cd / Digital - 2024

Swedish Progressive Rock experienced a thriving scene in the 1970s, with interesting bands like Kaipa, Trettioariga Kriget, Radiomobel, to name three, but it experienced its most influential period in the 1990s with the success of artists like The Flower Kings, Anglagard, Anekdoten, Landberk and others who breathed new life and stimulus into the genre through Genesis and King Crimson influences.
I recall with pleasure that I was struck in 1997 by the release of a record under the name of a band I did not know, The New Grove Project, and the work in question bore the title "Fool's Journey". Ignoring it, I bought the record anyway since of the Swedish scene qualitatively everything was reliable, and to my surprise I noticed among the instrumentalists the name of Roine Stolt (The Flower Kings, Kaipa, Transatlantic). Seeing the photograph inside, I noticed a very young Roine, which made me particularly curious enough to document backwards.
The period is the 1970s, the record was originally released in 300 pressed copies, and the creator of the project bears the name of drummer Ingemar Hjertqvist. "Fool's Journey" while an interesting record, infused with Genesis and King Crimson sounds, was not a great commercial success, however later in the 1990s, the desire to pursue the path leads them to Switzerland with musicians from the Biel-Fribourg area. Important names such as keyboardist Pär Lindh are also part of it, and in 2005 it was the turn of "Brill", another interesting but in turn not very successful record. The project sees a long stop only to come alive again after twenty years and this time without the big names mentioned above. Ingemar Hjertqvist (drums, vocals) is assisted by such artists as André Schornoz (bass), Lennart Olsson (drums), Tim Carlstedt (guitar), Mats Sjögren (guitar), Rikard Mathisson (keyboards), Robert Webb (keyboards), and Hanna Mattsson (vocals).
Something changes in the style; it is no longer Prog steeped in pomose sounds, but winks at Folk and shorter, more direct compositions.
Today The New Grove Project cares more about substance by composing music close to the song formula while retaining that charming veil of vintage, sometimes recalling Pink Floyd ("Where Would You Be"), others classic Folk and Blues ("Mental Disillusion Game" and "Happy Land").
The influence of the Moody Blues for Hjertqvist is evident from time to time in the compositions, as in the case of "The Ocean Is My Home"-you never forget your first love. Hanna's vocals are beautiful and can be appreciated especially in the slow "At The Ocean". The record in a general sense is steeped in the '60s/'70s, blatant in "Far With My Car", especially in the concluding ten minutes of "Circle Point" where Peter Gabriel's Genesis comes out unabashedly in the instrumental stages.
Ultimately "Assorted Affections" is a record from which one should not expect genius or research in the field, it is simply a container of songs with beautiful melodies and played with excellent instrumental technique. The desire to hold high the flag of the years that were, memory rightly must be maintained, perhaps those of you more attached to classic Prog will find the album bland, those who instead listen to music without restrictive stakes of any kind, will find in "Assorted Affections" more than one moment of satisfaction. MS

Macroscream

MACROSCREAM - Macrophonix
AltrOck / Ma.Ra.Cash Records
Genere: Progressive Rock
Supporto: cd / Bandcamp – 2024

Lasciatemi subito dire che il Progressive Rock in Italia sta subendo una mutazione rivolta a uno stile moderno e distaccato rispetto ai canonici anni ’70. Ovviamente questo non vale per tutti i gruppi, rimane sempre uno zoccolo duro che stagna in quel sound tanto caro ai fans di prima data, e questo comunque non è un fatto negativo, anzi, le tradizioni, come si dice in gergo, vanno sempre rispettate. Poi ci sono band che mantengono i piedi su due staffe, ossia fra passato e presente, quelle che personalmente definisco “in mutazione”. Cambiano i tempi, le mode, la tecnologia e la società, quindi il Rock essendo specchio del momento, si muove di conseguenza. Questo può piacere o meno, ma è nella naturale evoluzione delle cose, e non vale soltanto per la musica.
Nel 2001 a Roma nasce il progetto Macroscream, per volere del bassista e cantante Alessandro Patierno, questo per passione nei confronti del Progressive Rock prettamente anni ’70. Servono tuttavia molti anni prima che la band si stabilizzi e dia luce a “Sisyphus” (2012), un disco in cui trapela tutta la passione dei musicisti che si lanciano anche in brani suite, come da tradizione progressiva. Nel 2016 è la volta di “Macroscream”, album apprezzato soprattutto dalla critica e che mette la band sotto i riflettori di un pubblico più vasto. Per questo oggi aleggiano attese riguardo al nuovo “Macrophonix”. In questo lasso di tempo all’interno del gruppo avvengono avvicendamenti che contribuiscono a dare un sound più diretto e meno sinfonico rispetto ai lavori precedenti. Le lunghe suite lasciano il passo a brani più sintetici, conservando tuttavia la vena anni ’70 seppur infarcita di nuove tendenze. La nuova formazione vede sempre Alessandro Patierno coadiuvato dal tastierista Davide Cirone, a seguire i nuovi innesti Daniele Pulcini alla chitarra elettrica, Giacomo Liò alla batteria e Giovanni Saulini alla voce solista.
La Medusa (figura mitologica greca) rappresentata in copertina con dei connettori jack per capello al posto dei famosi serpenti, lascia intendere un percorso multiplo, forse inquietante visto lo sguardo di ghiaccio del volto, per scoprirlo non resta che addentrarsi nelle dieci canzoni che compongono l’album.
“Inside The Tunnel” è l’intro dalle caratteristiche psichedeliche dettate dalle abbondanti tastiere che immergono lo stato d’animo nel giusto contesto, qui sembra di trovarsi faccia a faccia con questo volto di Medusa. E’ con “First Step” che si entra a pieno titolo nell’ascolto che denota immediatamente il succitato intento di esprimere un Rock diretto pur mantenendo le influenze del passato grazie all’uso dell’Hammond. Il pezzo è orecchiabile e godibile soprattutto nella fase centrale in cui le coralità disegnano intriganti passaggi assieme ai cambi di tempo. Il basso apre “Sand Dunes”, canzone inizialmente ricercata oltre che intimista, per poi lanciarsi in un contesto altamente Progressive Rock. Uno strumentale che mette in luce le capacità sia tecniche che compositive della band. Ritmo Funk per “Follow Me Down”, questo mette in evidenza la cultura ampia nel contesto di questi strumentisti. Tutto scorre liscio come l’olio, tra frangenti divertenti e altri più complessi. In evidenza la title track, la bellissima “Standing On A Miracle” e la Rock “Road To The East”, canzone più lunga del disco attraverso nove minuti abbondanti di cambi di tempo.
“Macrophonix” evidenzia tutte le capacità e la volontà del gruppo di fuoriuscire da un modus operandi stantio, arricchendo la musica Prog con nuove idee derivanti da un mix di generi cuciti fra loro da eleganti assolo fra chitarra elettrica e tastiere. Il passato dunque è assorbito e metabolizzato, poi ci pensa la personalità a giocare con il pentagramma, apportando freschezza e buone soluzioni vocali, anche per merito di Giovanni Saulini. Un disco maturo da gustare con tranquillità. MS

 

Versione Inglese:

MACROSCREAM - Macrophonix
AltrOck / Ma.Ra.Cash Records
Genre: Progressive Rock
Support: cd / Bandcamp - 2024

Let me immediately say that Progressive Rock in Italy is undergoing a mutation aimed at a modern style detached from the canonical 70s. Obviously this does not apply to all bands, there always remains a hard core that stagnates in that sound so dear to early fans, and this however is not a negative fact, on the contrary, traditions, as they say in the jargon, should always be respected. Then there are bands that keep their feet in two stirrups, that is, between the past and the present, those that I personally call "mutating." Times, fashions, technology and society change, so Rock being a mirror of the moment, moves accordingly. You may or may not like this, but it is in the natural evolution of things, and it does not only apply to music.
In 2001 the Macroscream project was born in Rome, at the behest of bassist and vocalist Alessandro Patierno, this out of a passion towards purely 70s Progressive Rock. However, it takes many years before the band stabilizes and gives birth to "Sisyphus" (2012), an album in which all the passion of the musicians leaks out and they also launch into suite songs, as per progressive tradition.
In 2016 it was the turn of "Macroscream", an album that was mostly appreciated by critics and put the band in the spotlight of a wider audience. Therefore, today hovers expectations about the new "Macrophonix". During this time within the band, changes occur that contribute to a more direct and less symphonic sound than in previous works. The long suites give way to more synthetic tracks, yet retaining the 70s vein albeit infused with new trends. The new lineup still sees Alessandro Patierno assisted by keyboardist Davide Cirone, followed by new additions Daniele Pulcini on electric guitar, Giacomo Liò on drums and Giovanni Saulini on lead vocals.
The Medusa (a Greek mythological figure) depicted on the cover with hair jacks instead of the famous snakes, hints at a multiple path, perhaps unsettling given the icy look on her face, to find out all one has to do is delve into the ten songs that make up the album.
"Inside The Tunnel" is the intro with psychedelic characteristics dictated by the abundant keyboards that immerse the mood in the right context, here it seems to be face to face with this face of Medusa.
It is with "First Step" that one enters fully into the listening experience that immediately denotes the aforementioned intent to express straightforward Rock while retaining past influences through the use of Hammond. The piece is catchy and enjoyable especially in the middle phase where choruses draw intriguing passages along with tempo changes. The bass opens "Sand Dunes", a song that is initially searching as well as intimate, then launches into a highly Progressive Rock context. An instrumental that showcases both the technical and compositional skills of the band. Funk rhythm for "Follow Me Down", this highlights the broad culture in the context of these instrumentalists. Everything flows smoothly between fun bangs and more complex ones. Highlights include the title track, the beautiful "Standing On A Miracle", and the rock "Road To The East", the longest song on the record through nine copious minutes of tempo changes.
"Macrophonix" highlights all the band's abilities and willingness to break out of a stale modus operandi, enriching Prog music with new ideas derived from a mix of genres stitched together by elegant solos between electric guitar and keyboards. The past therefore is absorbed and metabolized, then personality takes care of playing with the staff, bringing freshness and good vocal solutions, also thanks to Giovanni Saulini. A mature record to be enjoyed quietly. MS

 

 

 

The Progressive Souls Collective

THE PROGRESSIVE SOULS COLLECTIVE – Sonic Rebirth
Metalville Records
Genere: Metal Progressive
Supporto: cd – Bandcamp / 2024

Si è potuto costatare con il passare degli anni, il mutamento che ha subito il Metal Progressive dai tempi dei maestri Dream Theater. Il genere si è diramato in più stili, come hanno saputo sviluppare gli Opeth, oppure i Soen, i Porcupine Tree di media/fine carriera, e molti altri ancora. Al pubblico del Progressive Rock non piacciono le chitarre elettriche portate alla distorsione, tuttavia il suono oggi ha saputo evolversi facendo avvicinare al Metal Progressive anche qualche scettico. Oltre a ciò, va aggiunto un insieme di soluzioni che hanno incuriosito molti ascoltatori.  Ma non esistono soltanto band che hanno intrapreso questo percorso, porto l’esempio dell’olandese Arjen Anthony Lucassen che con il progetto Ayreon o Star One (Per fare due nomi), ha insegnato un nuovo modo di concepire il Metal, ossia vestendolo di Opera Rock con tanto di concept e un numero impressionante di ospiti ai quali viene allegato un personaggio o una mansione. Colgo l'occasione per consigliarvi l’ascolto degli Ayreon se non li conosceste già. Un supergruppo che muta di personaggi secondo l’occorrenza.
Chi si cimenta oggi in questo modo di fare è il chitarrista Florian Zepf, che nel 2019 da forma a quello che oggi si chiama The Progressive Souls Collective.
Nel 2020 esordisce grazie a “Sonic Birth”, un concept fantascientifico ben rappresentato nella copertina bianca con un feto robotico a testimonianza di un futuro che dovremmo attenderci. Oggi con “Sonic Rebirth” ritorna alla carica sull’argomento, questa volta con il feto bianco su sfondo nero per dare continuità a quanto sviluppato nell’esordio. Con lui suonano principalmente Vladimir Lalic (voce), Jamie Powell (basso), Zsolt Kaltenecker (tastiere), Gerald Peter (tastiere, piano), e Tim Korycki (batteria). Segue una lista di ospiti occasionali come Megan Burtt (voce), Simen Børven (basso), Adam Marko (batteria), Damiano Della Torre (fisarmonica), Luis Conte (percussioni), Isaac Alderson (flauto), Aneesh Kashalikar (duduk), e Maria Grigoryeva (viola, violino, violoncello).
Ci si attende dunque molti cambi di tempo, di stili, e assolo imponenti, com’è accaduto con l’album “Sonic Birth” e così, in effetti, è. Tanto Progressive Rock, non solo per i tempi dispari, ma per la ricerca compositiva di base mai banale, anche se i riff Metal sono inseriti nel binario con il quale il genere si è sostenuto per decenni.
Il fattore sorpresa è sempre dietro l’angolo, questo può rilevarsi un’arma a doppio taglio, in quanto non si procede con uno stile ben definito ma mutevole, questo potrebbe destabilizzare molti ascoltatori non aperti di mente a certe soluzioni.
Con le parole “I Am Here” si apre e si chiude l’album “Sonic Birth” e così inizia anche “Sonic Rebirth” a testimonianza della continuità del concept. Tecnologia, sviluppo umano sono i temi a partire da “About To Leave”, immancabile intro che porta al viaggio vero e proprio formato da otto brani di media e lunga durata. Non spicca in particolar modo un pezzo rispetto ad altri, il disco è omogeneo, malgrado i cambi umorali di cui è principalmente composto. Tanti gli assolo, così le belle melodie di cui è composto.
Sono questi i dischi che possono far riflettere sul genere Metal Progressive, spesso accantonato e considerato come un esperimento mal riuscito di generi apparentemente incongruenti fra di loro. Per dettagli sul caso consiglio la lettura del mio libro “METAL PROGRESSIVE ITALIANO (e straniero) edito da Arcana edizioni, intanto godetevi “Sonic Rebirth”. MS

 

Versione Inglese:

THE PROGRESSIVE SOULS COLLECTIVE - Sonic Rebirth
Metalville Records
Genre: Progressive Metal
Support: cd - Bandcamp / 2024

One could see over the years, the change that Progressive Metal has undergone since the days of the masters Dream Theater. The genre has branched out into more styles, as Opeth was able to develop, or Soen, mid/late-career Porcupine Tree, and many others. Progressive Rock audiences do not like electric guitars taken to distortion, yet the sound today has been able to evolve making even some skeptics approach Progressive Metal. In addition to this, a set of solutions must be added that have intrigued many listeners.  But there are not only bands that have taken this path, I bring the example of the Dutch Arjen Anthony Lucassen who with the project Ayreon or Star One (To name two), taught a new way of conceiving Metal, that is, dressing it in Opera Rock complete with a concept and an impressive number of guests to whom a character or a task is attached. I take this opportunity to recommend listening to Ayreon if you are not already familiar with them. A supergroup that changes characters as needed.
The one who tries his hand at this today is guitarist Florian Zepf, who in 2019 shapes what is now called The Progressive Souls Collective.
In 2020 he made his debut thanks to "Sonic Birth", a sci-fi concept well represented in the white cover with a robotic fetus testifying to a future we should expect. Today with "Sonic Rebirth" he returns to the topic, this time with the white fetus on a black background to give continuity to what was developed in the debut. Playing with him are mainly Vladimir Lalic (vocals), Jamie Powell (bass), Zsolt Kaltenecker (keyboards), Gerald Peter (keyboards, piano), and Tim Korycki (drums). This is followed by a list of occasional guests such as Megan Burtt (vocals), Simen Børven (bass), Adam Marko (drums), Damiano Della Torre (accordion), Luis Conte (percussion), Isaac Alderson (flute), Aneesh Kashalikar (duduk), and Maria Grigoryeva (viola, violin, cello).
So one expects many tempo changes, styles, and impressive solos, as happened with the "Sonic Birth" album, and so, indeed, it is. Lots of Progressive Rock, not only because of the odd tempos, but because of the basic compositional research that is never mundane, even if the Metal riffs are placed in the binary with which the genre has sustained itself for decades.
The surprise factor is always around the corner, this can prove to be a double-edged sword, as they do not proceed with a well-defined but changing style, this could destabilize many listeners not open-minded to certain solutions.
With the words "I Am Here" the album "Sonic Birth" opens and closes, and so too does "Sonic Rebirth" begin, testifying to the continuity of the concept. Technology, human development are the themes starting with "About To Leave," the unfailing intro that leads to the actual journey consisting of eight tracks of medium to long duration. No one piece particularly stands out from others; the record is homogeneous, despite the mood changes of which it is mainly composed. Lots of solos, so are the beautiful melodies of which it is composed.
These are the kind of records that can make one reflect on the Progressive Metal genre, which is often set aside and regarded as a botched experiment of seemingly incongruent genres with each other. For details on the case I recommend reading my book "METAL PROGRESSIVE ITALIANO (e straniero)" published by Arcana editions, in the meantime enjoy "Sonic Rebirth”. MS

 

 

Midas Fall

MIDAS FALL -  Cold Waves Divide Us
Monotreme Records
Genere: Post Prog Moderno
Supporto: cd / 2024

La musica l’ascoltiamo con uno stato d’animo ben specifico, qualche volta vogliamo divagarci, divertirci, altre l’adoperiamo come sottofondo mentre sbrighiamo faccende più o meno lavorative, oppure per estraniarci in un momento di relax, questo è il suo grande potere, la malleabilità. Non mancano di certo le scelte, oggi più che mai, dove i generi si sono a loro volta spaccati come un vetro in altri piccoli sottogeneri dalle nuove sonorità. Bene conosce la situazione il Progressive Rock, il quale è così mutato nel tempo tanto da non poter più essere accostato solo al suo glorioso passato. Esiste un limbo in cui le atmosfere elargite conducono verso un mondo malinconico, quasi spettrale, attraverso suoni elettrici che si alternano a passaggi acustici, questi sposano bene alcuni concetti che l’artista del caso vuole approfondire, come l’isolamento societario a cui l’individuo oggi va incontro a causa di una vita frenetica e fredda relegata a personali egoismi. Musica che fa pensare ed emozionare, mirata a un pubblico specifico, preparato mentalmente ad aperture sonore non convenzionali e disposto ad ascoltare più che a sentire, e credetemi se vi dico che c’è molta differenza.
Nel campo si cimentano da anni gli scozzesi Midas Fall, formazione creata nel 2008 dalla cantante e chitarrista Elisabeth Heaton e dalla sua amica Rowan Burn. L’esordio discografico risale al 2010 con il sorprendente “Eleven. Return And Revert”, nel quale spiccano immediatamente le caratteristiche sonore prossime all’indie e al Post Rock. Seguono negli anni altri tre album in studio, tutti di notevole fattura, sino giungere ai nostri tempi con “Cold Waves Divide Us” e un Gothic style più marcato. Si denota uno sviluppo professionale non indifferente, a partire dalla cura per le melodie e i crescendo sonori che sono la carta vincente per questa band oggi formata da Elizabeth Heaton (voce, chitarra, tastiere, synths, batteria), Rowan Burn (chitarra, tastiere, synths, batteria), e Michael Hamilton (basso, synths, batteria). Con il tempo dunque la band manifesta un approccio progressivo maggiore, il quale dona all’ensemble un fascino aggiunto.
“Cold Waves Divide Us” è formato di dieci canzoni e si presenta con la copertina per mano di Steven Pellatt.
E proprio a proposito dei crescendo, l’iniziale “In The Morning We? Il Be Someone Else” ne è immediatamente portavoce. Lo sgocciolare di note del piano lascia successivamente spazio al ruggente Post Rock delle chitarre elettriche, mentre la voce di Elisabeth si esibisce in una prova straziante e perfetta per il contesto. Le carte sono già in tavola. “I Am Wrong” ha un sentore di pessimismo spalmato su una ritmica insistente di fondo, dove i synth disegnano atmosfere eteree. I Midas Fall solo raramente lasciano lo spazio a un raggio di sole, ma quando lo fanno è un tepore che scalda l’anima, “Salt” ne è una prova. Un movimento malinconico e toccante giunge in “In This Avalanche”, piano e violoncello, dove ancora una volta la voce è splendida interprete. L’album scorre su binari dritti, senza cali di tensione per quarantasette minuti di buona musica.
“Cold Waves Divide Us” è una rosa nera, ma non coglietela, lasciatela ancora crescere per goderne la freschezza e il profumo. MS

Versione Inglese:

MIDAS FALL - Cold Waves Divide Us
Monotreme Records
Genre: Modern Post Prog
Support: cd / 2024

We listen to music with a very specific state of mind, sometimes we want to digress, have fun, others we use it as a background while doing more or less work-related chores, or to estrange ourselves in a moment of relaxation, this is its great power, malleability. There is certainly no shortage of choices, now more than ever, where genres have in turn split like glass into other small subgenres with new sounds. Well acquainted with the situation is Progressive Rock, which has changed so much over time that it can no longer be juxtaposed only with its glorious past. There is a limbo in which the atmospheres bestowed lead toward a melancholic, almost ghostly world, through electric sounds that alternate with acoustic passages, these marry well some concepts that the artist of the case wants to explore, such as the societal isolation to which the individual today goes because of a hectic and cold life relegated to personal selfishness. Music that makes you think and emote, aimed at a specific audience, mentally prepared for unconventional sound openings and willing to listen more than hear, and believe me when I say there is a lot of difference.
The Scots Midas Fall, a lineup created in 2008 by singer and guitarist Elisabeth Heaton and her friend Rowan Burn, have been trying their hand in the field for years. They made their recording debut in 2010 with the stunning "Eleven. Return And Revert", in which the sonic characteristics close to indie and Post Rock immediately stand out. Three more studio albums followed over the years, all of remarkable workmanship, until reaching the present time with "Cold Waves Divide Us" and a more pronounced Gothic style. It denotes a not inconsiderable professional development, starting with the care for melodies and sonic crescendos that are the trump card for this band today formed by Elizabeth Heaton (vocals, guitar, keyboards, synths, drums), Rowan Burn (guitar, keyboards, synths, drums), and Michael Hamilton (bass, synths, drums). Over time, therefore, the band manifests a greater progressive approach, which gives the ensemble added appeal.
"Cold Waves Divide Us" consists of ten songs and features a cover art by the hand of Steven Pellatt.
And just on the subject of crescendos, the opening "In The Morning We? Be Someone Else" is an immediate spokesperson for this. The drip of piano notes later gives way to the roaring Post Rock of electric guitars, while Elisabeth's voice gives a heartbreaking and context-perfect performance. The cards are already on the table. "I Am Wrong" has a hint of pessimism smeared over an insistent background rhythm, where synths draw ethereal atmospheres. Midas Fall only rarely give way to a ray of sunshine, but when they do it is a soul-warming warmth, "Salt" is proof of that. A wistful and touching movement comes in "In This Avalanche", piano and cello, where once again the voice is splendid performer. The album flows on straight tracks, with no slumps for forty-seven minutes of good music.
"Cold Waves Divide Us" is a black rose, but do not pluck it, let it still grow to enjoy its freshness and fragrance. MS